Значение
античной музыки, как и в
других видов искусств Древней Греции,
трудно переоценить.
Музыка
занимала большое место в общественной
жизни Древней Греции. Она сопровождала
праздники, звучала на театральных
представлениях, помогала людям трудиться.
Многие греки умели петь, играть на
струнных инструментах – лире и кифаре.
Об этом
рассказывают нам поэмы Гомера «Илиада»
и «Одиссея», изображения музыкантов на
греческих вазах, росписи богатых гробниц.
От музыки древних греков до нас дошли
отдельные немногочисленные фрагменты.
Это погребальная и лирическая песня,
12 строк пеана — гимна радости в честь
бога Аполлона, покровителя искусств.
Греки были
хорошими танцорами, водили плавные
хороводы, знали быстрые танцы с прыжками.
Многие фигуры танцев воспроизводили
движения гимнастов, воинов, работающих
людей. Пляски обычно сопровождались
игрой на духовом инструментов — авлосе.
Торжественные сказания исполняли
профессиональные певцы — аэды и рапсоды.
С течением времени развивается хоровая,
сольная лирика, трагедия, комедия,
инструментальная музыка. Эти виды
искусства включались в Пифийские игры,
на которых наряду с атлетами выступали
поэты, певцы, музыканты. Победителей
награждали лавровыми венками.
Высоким
достижением культуры античности стала
трагедия, от которой тянутся нити к
европейскому драматическому и музыкальному
театру. Древнегреческая трагедия,
соединившая в себе драму, танец и музыку,
возникла на основе дифирамба (гимна) в
честь бога виноградства и виноделия
Диониса. Поначалу праздник связывался
с культом плодородия, участники дионисий
изображали козлоногих сатиров, ряженные
сопровождали «бога» шумной толпой, они
пели, плясали, играли на музыкальных
инструментах. Такие карнавалы с главным
номером — дифирамбом — превратились
в трагедии. В творчестве Эсхила, Софокла,
Еврипида они приобрели большое
общественное значение, так как в них
затрагивались многие жизненно важные
вопросы. Разыгрывались трагедии в
театрах, вмещавших до 40000 человек. Партии
хора чередовались с партиями актеров.
Авторы обычно сами писали музыку.
Значение
античной музыки, как и других видов
искусств Древней Греции, трудно
переоценить. До сих пор музыканты
пользуются многими понятиями и терминами,
ведущими своё происхождение от греческой
теории музыки: «мелодия», «музыка»,
«гармония», «ритм», «гамма», названиями
некоторых музыкальных ладов.
Античные
мифы, предания, трагедии в течение многих
веков были источником вдохновения для
композиторов. Сюжеты первых опер основаны
на греческих мифах, и с тех пор композиторы
не раз возращались к поэтическим
преданиям древнегреческого народа. Миф
о певце Орфее, чье пение заставляло
плакать камни, усмиряло диких зверей и
даже помогло ему проникнуть в «царство
мертвых», лег в основу оперы К.В.Глюка,
симфонической поэмы Ф.Листа, балета
И.Ф.Стравинского. Опера С.И.Танеева
«Орестея» также написана на сюжет
древнегреческой трагедии.
Музыкальная
культура западно-европейского
средневековья развивалась
приблизительно с IX
в. до XIVв. на фоне
напряженных исторических перемен. Этот
период характеризуется постепенным
разложением феодального строя, крестовыми
походами, соперничеством церкви и
властью королей и феодалов.
Основа
музыкального быта этого времени —
искусство странствующих артистов,
которые были универсальными мастерами:
умели сочинять песни, веселые и
поучительные сценки, владели цирковыми
навыками, играли на всевозможных
инструментах — на лютне, средневековой
арфе, волынке, на смычковых (ребек,
фидель) и на ударных инструментах, на
колесной лире и на маленьком переносном
органе-портативе. Во Франции такого
мастера называли жонглером и менестрелем,
в странах немецкого языка — шпильманом,
гауклером, в Испании — хогларом, в Сербии
— играчом, в Чехии — герецом, на Руси —
скоморохом и т.д. Они были обязательными
участниками всех крупных событий, будь
то календарный праздник, свадьба,
торжественный въезд в город его
покровителя-суверена, ярмарка, ликование
по случаю военной победы, пиршество,
коронация и т.д.
В зависимости
от обычаев и характера церемоний
горожанам предлагались различные
зрелища, сопровождавшиеся пением и
игрой на инструментах: танец, пантомима,
театрализованные истории и легенды,
танцы на канате, акробатика, трюки с
дрессированными животными. Но на первом
месте здесь, безусловно, была музыка.
С IX
века начинают записывать музыку
специальными нотными знаками на
пергаменте. Большинство из ранних нотных
записей — одноголосные церковные
песнопения, исполнявшиеся хором в унисон
или солистами. Это так называемый
григорианский хорал (по имени папы
римского Григория I,
которому легенда приписывает утверждение
этого певческого жанра). Вскоре появляются
записи образцов светского музыкального
искусства. Это песни трубадуров —
талантливых провансальских поэтов XI
– XIV вв. и их
собратьев в северной Франции — труверов,
в Германии — миннезингеров. Они воспевали
прекрасную даму, рассказывали о словесных
состязаниях рыцарей, желавших как можно
изящнее воздать хвалу своей госпоже.
К IX
- X вв. относятся
и первые записи полифонических
произведений. Прекрасные двухголосные
пьесы — органумы с узорчатой парящей
мелодией верхнего голоса создали мастера
из южнофранцузского монастыря Сен-Марсьяль
(конец XI — 1-я
половина XII в.).
Позднее выдвинулись парижские мастера
из собора Нотр-Дам (XII
— XIII вв.), а также
авторы так называемой рукописи —
большого сборника трехголосных пьес —
мотетов (XIII в.).
Отныне мотет стал распространенным
музыкальным жанром на протяжении
нескольких столетий.
На этой
полифонической основе и на песнях
трубадуров и труверов складывалось и
творчество композиторов последнего
периода средневековья. Они оставили
образцы полифонических песен различных
жанров и форм: рондо, баллады, виреле,
мадригалы. Этот период получил в
истории название «Арс нова» («Новое
искусство»). Выдающимися мастерами
«Нового искусства» были итальянский
композитор Франческо Ладино, французский
поэт и композитор Гильом де Машо.
Творчество де Машо, Ландино и их
современников открыло путь следующему
этапу — музыке эпохи Возраждения.
Возрождение,
или Ренессанс, - период в истории Западной
и Центральной Европы, охватывающий
примерно XIV — XVI
вв. свое название это период получил в
связи с возрождением интереса к античному
искусству, ставшему идеалом для деятелей
искусства нового времени. Композиторы
и теоретики — Й.Тинкторис, Дж. Царлино
и другие — изучали древнегреческие
музыкальные трактаты; в произведениях
Ж.Депре, которого сравнивали с Мекеланжело.
Небывалого
расцвета достигли изобразительное
искусство, архитектрура, литература,
музыка. Музыка постепенно отходит от
норм средневекового канона,
индивидуализируется стиль, впервые
появляется само понятие «композитор».
Изменяется фактура произведений, число
голосов увеличивается до четырех, шести
и более. В гармонии господствует
консонирующие созвучия, употребление
диссонансов строго ограничивается
специальными правилами. Складывается
мажорный и минорный лады и тактовая
система ритмики, характерные для более
поздней музыки.
Музыка эпохи
Возрождения развивалась в двух
направлениях - церковном и светском.
Основные жанры церковной музыки — месса
и мотет — многоголосные полифонические
произведения для хора без сопровождения
и или в сопровождении инструментального
ансамбля. Из инструментов предпочтение
отдавалось — органу.
Развитию
светской музыки способствовал рост
любительского музицирования. Появились
первые концертирующие исполнители-виртуозы
на лютне, клавесине, органе, виоле,
различных видах продольных флейт.
В эпоху
Возрождения формируются национальные
музыкальные школы. Самая крупная из них
— нидерландская полифоническая школа.
Ее представители — Г.Дюфаи, Й.Окегем,
Я.Обрехт, Ж.Депре, О.Ласса. Среди других
национальных школ — итальянская
(Дж.П.Палестрина), испанская (Т.Л.де
Виктория), английская (У.Берд), немецкая
(Л.Зенфль).
Эпоха
Возрождения завершается появлением
новых музыкальных жанров: сольной песни,
оратории, оперы, подлинный расцвет
которых наступает в последующем столетии.
Комментариев нет:
Отправить комментарий